Akiko Mori

タイムアウト東京 > アート&カルチャー > 東京のオープンアトリエを巡る：革作家・Kazuya Fujisaku 「代々木公園」からほど近い住宅地、低層マンションの1階に革作家・Kazuya Fujisakuのアトリエがある。アイアン製の門を開けると大きなシンボルツリーが出迎え、鮮やかな花が目を引く。その中庭を囲むように部屋が並んでおり、その一室でFujisakuは制作する。 Fujisakuは、2014年に革作家として独立。渋谷の富ヶ谷にアトリエを持ち、機能的で洗練されたデザインのバッグや小物から、動物や自然物にインスピレーションを得たクッション、アートピースまで手がけている。 大学で経済学を学んだ後、迷うことなく「楽しい」方へ。自ら大きくかじを切って歩んできたFujisakuの作家としての源流を探りながら、彼の「好き」が詰まったアトリエの魅力に迫る。 Photo: Keisuke Tanigawaゆっくり5〜6人座れる作業台が中央に配されたアトリエ アトリエのドアを開けると、Fujisakuの笑顔とともに、革のなんともいえない香りが広がる。都会のど真ん中にアトリエを構えたのは2年前。そろそろ飽きてきたので「今度は自然豊かな田舎に行きたいなぁ」と笑う。Fujisakuの選択基準はいつも「楽しいかどうか」「好きかどうか」。それが彼の革作家人生を形作ってきた。 主に手がける革製品はバッグ類。最近は長年探求してきたリュックサックの形が完成し、シンプルで計算された独特のフォルムに彼の美意識が凝縮されている。また、自然の造形美を意識した作品も展開しており、都会的なデザインの中にネイチャーイズムが潜む格好良さがあって固定ファンも少なくない。 Photo: Keisuke Tanigawaシンプルな中にも都会的センスがひかるFujisakuのバッグ類 彼のものづくりは、作家としての出発点がそうであったように、常に「こういうのがあったらいいな」という買い手目線だ。一度バッグを購入したユーザーは、その使いやすさからオーダーでリピート注文する人も多い。 一般的なレールから外れてしまえば楽になる ーなぜ、革作家の道に？ 子どもの頃から妙に野球のグローブに引かれていたんです。手触りはもちろんですが、ひもで調節することで形が変わり、用途に幅ができるところが魅力的でしたね。 Photo: Keisuke Tanigawa制作に使用する道具類 大学に進学し、普通にネクタイを締めて就職活動もしましたが、このまま皆と同じように就職していいのかと違和感を覚えていました。ちょうどその頃、やたらと楽しそうに人生を歩んでいる大人に出会い、自分もやりたいことをやって楽しい人生を送りたいと思うようになったんです。将来への「不安」よりも、「人生を楽しみたい」という気持ちが勝ってしまいました。 Photo: Keisuke Tanigawaミシンが並ぶ そんな時、友人が革細工を楽しんでいて、見よう見まねでポーチを作ってみたらとても楽しくて。その後、初めて作ったバッグで完全にその魅力に引き込まれました。作っては友達にプレゼントしたりして、自分が好きで作ったもので人に喜んでもらえる経験は大きかったですね。 ー革作家として独立を決めたのは？ 遊びで、作り初めてすぐに作品をfacebookにアップしたんです。それを見て友人や知り合いがオーダーしてくれました。月の生活費のミニマムコストを計算して、その額を稼げるようになったらバイトを全部辞めてやろうと考えていました。 当時それが8万

高輪ゲートウェイ駅直結の複合施設「TAKANAWA GATEWAY CITY」が、2026年3月28日（土）にグランドオープン。いよいよ街として本格始動する。 これまで「NEWoMan TAKANAWA（ニュウマン高輪）」など一部エリアが先行開業していたが、今回のオープンで注目を集めているのが「Mon Takanawa: The Museum of Narratives」（以下、Mon Takanawa）だ。100年先へ文化をつなぐことを掲げるこの実験的ミュージアムは、高輪ゲートウェイを街に育てる拠点として期待されている。 Photo: Kisa Toyoshima正面エントランス 高輪ゲートウェイ駅の改札を抜けると、整列して行進する小さなロボットたちが出迎えてくれる。同駅の近未来的な風景はもはやお馴染みだが、その先に現れる建物は、これまでの東京にはなかった存在感を放っている。 植物が外壁をらせん状にぐるりと覆い、まるで建築そのものが自然をまとっているようだ。ここは単なる美術館ではない。私たちの営みに「問い」を投げかける「門（MoN）」であり、100年先の文化を考えるための実験場、そして物語（Narratives）が生まれる場所でもある。 本記事では、地上6階・地下3階から成る新たなミュージアムの試みをレポートする。 Photo: Kisa Toyoshima2階のエントランスロビー「未来文化の門」 100年先への問いかけが始まる場所 エントランスに設置された「未来文化の門」では、32人の著名人が「100年先に残したい文化」についての回答を提示。音楽プロデューサーの松任谷正隆は「マニュアル車」を挙げ、ノーベル賞受賞者の山中伸弥は「AIのない時間」として愛用のランニングシューズを展示する。 例えば文筆家の松浦弥太郎は、「道草」という急がないための知恵を提案。いずれの展示からも「人間らしい時間」を大切にしたいという思いが伝わってくる。 Photo: Kisa Toyoshima著名人の私物も展示されている 著名人の私物も展示されている 同施設が革新的なのは、美術館という枠を完全に超えた設計思想にある。「BOX300」「BOX1000」「BOX1500」、そして約100畳の畳スペース「Tatami」といった、広さで区切られた空間は、展示だけでなく音楽ライブや演劇、和楽器演奏など、あらゆる文化活動を受け入れる。 Photo: Kisa Toyoshimaステージ全面にLEDが設置された最新のシアター空間、Box1000。スタンディングで最大2000人収容できる 従来の「一つの箱を多目的に使う」発想ではなく、初めから境界のない融合を前提としているのだ。館内には木材が随所に使われ、近代的な建築の中に日本的なスピリットが融合している。平日は働く人々でにぎわうが、土・日曜日は閑散としがちな高輪を、毎日人が集い続ける街へと変えていくビジョンが、建物の隅々から感じられる。 Photo: Kisa Toyoshima青山のアートセンター「Spiral」が手がける開放的なカフェレストラン「MoN Kitchen by Spiral」 プラレールの世界に迷い込む圧巻の「鉄道ビュー」 Mon Takanawaの魅力は、何といっても意図的に設計された「鉄道ビュー」だ。高輪は江戸時代、日本で初めて海上に築堤を築き、鉄道を走らせた歴史ある場所として知られている。 館内の木製ベンチは、当時の築堤を支えた松杭（まつくい）を掘り起こして再利用。さらに屋上にある神社の

写真家・映画監督の蜷川実花が、かつて10数年を過ごし、「ホーム」と呼ぶ下北沢に帰ってきた。蜷川の軌跡をたどるアーティストブックの刊行を記念した展覧会「mirror, mirror, mirror mika ninagawa」が「DDDART」の「苑」で、2026年3月13日（金）から5月31日（日）まで開催されている。 彼女の創作の根幹にある「破壊、再生、また破壊」という循環を、古民家という日本の伝統的な生活空間で体感できる貴重な機会だ。 Photo: Kisa Toyoshima住宅地にたたずむ「苑」。生活の痕跡を残しながら現代アートの場として生まれ変わった空間だ 古民家に刻まれた破壊と光のインスタレーション 会場に足を踏み入れると、そこは美術館のホワイトキューブとは対極にある、生々しい「生活の場」の記憶が漂う空間が広がる。まず目に飛び込んでくるのは、畳や白壁に直感的に走る赤いペインティングだ。 下北沢の地で長い時を刻んできた建物への介入は、まるで空間そのものを「破壊」し、新たな命を吹き込む儀式のようにも見える。美術館では決してできなかった大胆な表現が、ここでは存分に解き放たれていた。  Photo: Kisa Toyoshima畳や壁に直感的に施された赤いペインティング。古民家の持つ時間の蓄積に、蜷川の破壊衝動が重なる象徴的な空間だ Photo: Kisa Toyoshima展示空間には蜷川のプライベートを切り取った写真作品もあり、アーティストとしての軌跡と母としての日常が交差する様子が伺える 頭上には、2メートルを超えるシャンデリアのようなオブジェがつるされ、ビーズやガラス玉がきらめきを放つ。一方で縁側では、ガラスに施された花のイメージが太陽の光を透過し、極彩色の影を畳に落とす。 南側の障子から差し込む柔らかな光が、蜷川独特のカラフルな色を照らし出す様子は幻想的だ。日本家屋特有の「光と風の空間」を、見事に自身の表現に取り込んでいる。 Photo: Kisa Toyoshima縁側に落ちる色鮮やかな影。太陽の動きとともに表情を変える「光と風の空間」は、日本家屋ならではの鑑賞体験ができる 床の間には、高さ約65センチほどのアクリル製キャビネットが今回刊行されたアーティストブックの特装版として展示されていた。祭壇をイメージして作られたこのキャビネットには、アーティストブックのほか、ステッカーやコラージュなど蜷川がセレクトした追悼や記憶にまつわるアイテムが収められている。ただし一つだけ、壊さないと永遠に開けられない引き出しがあり、破壊の先に再生があることを示唆しているようだった。 Photo: Kisa Toyoshima特装版のアーティストブック（近日中発売予定） 会場の動線の演出も見逃せない。玄関から空間の奥へと誘うように、一つ一つに写真がプリントされた5×3センチメートルほどの小さなアクリルブロックが目線の高さで整列し、障子の格子に収められて展示されている。まるで蜷川がこの街で過ごした日常の断片が凝縮され、彼女の記憶のかなたへと続いているかのようだ。 Photo: Kisa Toyoshima障子に映る植物の影も、小さなアクリルと調和を見せる Photo: Kisa Toyoshima突如、ホワイトアウトな空間が桜の作品だけを集めて現れる。季節になれば天井からぶら下がるツタが緑に再生されるというから驚きだ Photo: Kisa Toyoshima庭に出ると、大型ディスプレイが次々に切り替わり、ベンチに座ってゆっ

「東京都現代美術館」で開催されている「TOKYO ART BOOK FAIR 2025」の「Week 1」へ行ってきた。今年は「2Week制」を導入。各週末に約280組、合計約560組の出版社・ギャラリー・アーティストが国内外から集結し、Week 1とWeek 2では出展者が完全に入れ替わる。 Week 1を歩いてみて、この2Week制は「体験して初めて意味が分かる仕組み」だと思った。ここでは、Week 1で感じた同イベントの見どころを8つに分けて紹介する。 Photo: Akiko Mori会場の様子 1. 多様性を目の当たりにする。 オープン時間に合わせて到着すると、すでに長蛇の列ができていた。会場には個性的なアート系の装いの人が多く、ファッションを眺めているだけでも楽しい。出展者も個性派揃いで、海外勢も多い。多言語が自然に飛び交う光景に、このフェアの国際性がにじみ出ている。 Photo: Akiko Mori会場が美術館とあって天井も高く、人は多いが空気はきれいに感じる 2. 飛び交う個性に驚く。 地下2階の「ZINE’S MATE」は、まず足を運びたくなるエリアだ。個人制作のZINEを中心に、リトグラフ、手製本の写真集、ステッカーやキーホルダーなど、多様な表現が並ぶ。 フランス・韓国・台湾・インドネシア・クロアチアなど国籍もさまざまで、作り手の「好き」がそのまま形になっている。どれを選ぶか迷う時間そのものが貴重な体験である。季節柄、2026年のオリジナルカレンダーを販売している出展者が多く、世界で一つのものに出合えそうだ。 Photo: Akiko Mori「OUT OF THE GRID: Italian Zine 1978–2006」 3. イタリアの出版事情について知る 毎年、一つの国や地域に焦点を当てて出版文化を紹介する企画「ゲストカントリー」。今年スポットライトが当たったのはイタリアだ。 インターネットが普及する前の紙の出版物が展示され、デザインの中に激動の時代が映っていた。さらにイタリアの企業が自らのアイデンティティーを多面的に出版物で表現する「Marchette」では、カタログの域を越えたクオリティーの高いものを手に取って観られる。 Photo: Akiko Mori「プラダ」が作家・写真家と協業し、2025年春夏キャンペーンを紙媒体へと拡張したプロジェクト Photo: Akiko Mori自由に絵本が読める「READING SPACE」 4. 家族を連れていく。 また、イタリアにちなみ、ブルーノ・ムナーリ（Bruno Munari）らの絵本の展示をはじめ、自由に絵本が読めるスペースや工作コーナーもあり、家族連れも十分に楽しめる。どんな絵本に出合えるか分からない「ART BOOK VENDING MACHINE」は、大人も思わず足を止めてしまう仕掛けがたくさんある。 Photo: Akiko Mori活版印刷は、手に取った時の凹凸の肌触りがたまらない（有限会社山添） 5. 紙の可能性にも触れる。 印刷技術や、紙そのものに焦点を当てた出展も見逃せない。実際に触れるからこその自分の感覚に出合える。同時に専門店の技術の高さも必見で、紙という古いメディアが、今も新しい表現を宿していることに気付かされるだろう。 Photo: Akiko Mori金箔（きんぱく）を使ったノートには、どんな金言を書こうか（八紘美術） Photo: Akiko Mori手すき和紙の質感と、日本の色彩にうっとり（アワガミファク

テキスト：Akiko Mori 2026年3月1日（日）まで開催の「ワニ」展は、「熱川バナナワニ園」の特別協力の下で「国立科学博物館」が主催する、初めての爬虫（はちゅう）類の企画展。今回、爬虫類の中でもなぜワニが選ばれたのかは、展示を見れば伝わってくるだろう。誰もが知っているワニの真実はほとんどの人が知らなかったのかもしれないと、その魅力にハマりそうになったので、本記事で紹介したい。 まるで水辺の世界へ迷い込んだような静けさと、緊張感に包まれている展示会場。頭上に展示された剥製のマレーガビアルを下から観察でき、ブラジルカイマンの液浸標本に直接触れられるという、驚きの展示方法が並ぶ。 Photo: Akiko Moriビニール袋越しにブラジルカイマンの背中に触れられる この保存方法の標本は、生きている時と重さも変わらず、ビニール越しとはいえ迫力がある。恐る恐る背中に触れた時の硬さは、生き物としての存在感そのまま。普段「見る」だけの生き物を「触る」経験は、新鮮だった。 長い間「水辺の隣人」として人類とともに生きてきたワニだが、「ワニがきた道」のエリアでは、ワニのルーツを丁寧にたどることができる。ワニはほかの爬虫類よりも系統的には鳥類に近く、恐竜類を含む「主竜類」に分類されるそうだ。 Photo: Akiko Mori ワニの心臓は、ほかの爬虫類には見られない鳥類・哺乳類と同じ「二心房二心室」で、さらに水の中で長時間浸水できるワニ特有の仕組みを持っていた。心臓に戻ってきた酸素の少ない血液を再利用できるのだ。太古の地球で生き抜くために獲得した形態の進化が分かり、興味深い。 Photo: Akiko Mori世界最小のワニの一種、ニシアフリカコガタワニ（左）。隣のフクスクチナガワニと比べると口先が短く丸い Photo: Akiko Moriオーストラリアワニ（ワニ目クロコダイル科）は細長い口先が特徴 今回初公開となる標本は6体。日本で絶滅危惧種を含む16種約100頭近いワニを飼育する熱川バナナワニ園で生きていたワニも、今回標本として会場でよみがえった。 Photo: Akiko Mori熱川バナナワニ園で飼育されていたセベクワニ（ワニ目クロコダイル科）。古代エジプトで作られていたワニのミイラの多くは、本種だったことが報告されている Photo: Akiko Mori「THE ALFEE」の坂崎幸之助が飼育していたコビトカイマン（国立科学博物に寄贈）。世界最小クラスのワニで、最大全長は約1.7メートルほど 一方ワニは、現生爬虫類の中では最大の大きさを誇る。2011年にフィリピンで捕獲された「ロロン」という個体は全長約6メートル、体重は1トンを超えていたという。 会場では、同じくフィリピンで採取されたイリエワニの頭骨を元に再現された、全長約5メートルの巨大ワニの姿が絵画で描かれていた。一つの生き物の大きさにもかなりの幅があるのだと感心した。 Photo: Akiko Mori全長約5メートルの巨大ワニの絵画と一緒に写真を撮れるフォトスポット 興味深いのは、爬虫類の中でも珍しく「子育てをする動物」だということだ。赤ちゃんは孵化（ふか）すると鳴き声を上げ、母ワニはその声を聞くと駆けつける。展示映像では、ワニの赤ちゃんが卵から孵化する様子や、飼育員が赤ちゃんの鳴き声をまねしただけでワニたちが寄ってくる様子も映し出されていた。 Photo: Akiko Moriワニの卵。爬虫類と同じく卵を産むが、その殻は鳥に似て、炭酸カルシウムの硬い殻に

テキスト：Akiko Mori 六本木の「森アーツセンターギャラリー」で、2026年3月1日（日）まで開催中の「マチュピチュ展」は、古代インカ帝国のアンデスの世界観に深く入り込める没入型の展示。会場に足を踏み入れた瞬間、静かな神殿に迷い込んだような薄暗さと、祈りの気配を帯びた空気に包まれる。 Photo: Manabu Morooka会場での展示の様子 「マチュピチュ」は、ペルーにある古代インカ帝国の遺跡。標高2430メートルの断崖絶壁に築かれたことから「天空都市」と呼ばれ、世界遺産にも登録されているが、謎も多い。本展では世界初公開を含む約134点の至宝が一堂に会する。マチュピチュ関連の展覧会は、日本国内では13年ぶりだ。 3つの世界が共存するアンデス世界の宇宙観 アンデス世界の宇宙観は、「天空」「現実」そして祖先たちが暮らす地下の「内なる世界」という3つの世界が均衡を保ちながら共存し、しかも循環している。展示ではまず、この3つの世界を巡る英雄「アイ・アパエック」の冒険を軸に、古代の人々の宇宙観が鮮やかに立ち上がる。 Photo: Manabu Morookaアパエックの冒険がストーリー仕立てで展示されている 旅の途中で、彼はカニや鳥などさまざまな動物に化身して力を得るのだが、展示されている造形は驚くほど保存状態が良く、細部の表情まで読み取れるほど。古代の人にとって自然は「外の世界」ではなく、自分そのものとつながる力だったのだと、しみじみ感じた。 Photo: Manabu Morookaカニの姿をしたアパエック インカ帝国では、祖先も「死んだ」とはみなさず、親密な行為によって結ばれ、完全な存在となったようだ。 男と女、太陽と月のように、全てが一つに結ばれていく。その象徴として、男女の結合を描いたものや、旅の最後に「大地との交わり」が表現されているのも印象的だった。 Photo: Manabu Morooka祖先的存在間の性交（左）と自慰 再現された犠牲の儀式と金・銀の装飾 一方で胸がざわついたのは、いけにえの儀式。戦闘に負けた戦士の血が神にささげられる様子が、影絵で再現されている。戦士は元々高い身分で神々と人間界をつなぐ重要な役割を果たし、死は「敗北」ではなく「神への奉仕」を意味する。いけにえは、人々が安心して暮らせるために身をささげる誇り高き行為だったようだ。 Photo: Manabu Morooka犠牲の儀式がナレーションと影絵で表現され、迫力を持って迫ってくる 「金」は太陽の汗、「銀」は月の涙とされ、それを身に着けた戦士や祭司は神の力を帯びる存在と考えられた。まぶしいほどの金や銀の装具が付けられ、埋葬された様子が描かれている。 Photo: Manabu Morooka「チムー王国」の9人の支配者の一人と思われる人物の黄金の装飾品は、ひときわまぶしい また、「祖先との出会い」と名付けられた章では、10人の支配者がそれぞれ身に着けていた装飾をそのままの姿で展示されており、圧巻。金や銀の輝きはほの暗い空間を照らし、息をのむほど神々しい。しかし、その金をスペイン人が掘り起こして私財として持ち去った歴史は、古代の人々の思いを踏みにじる行為だったと改めて感じさせられた。 Photo: Manabu Morooka金や銀に輝く姿に神々しさを感じる 圧倒される古代インカ帝国の英知 最終章ではマチュピチュの英知が紹介されており、生活の全てに息づいていたことがよく分かる。特に心を奪われたのは「キープ（結縄）」。ただ縄を結んでい

テキスト：Akiko Mori 東京のまちを歩きながら、その記憶をたどり、日常に潜む創造の瞬間を見つける芸術祭「東京ビエンナーレ2025」が開幕した。同イベントでは、世界8カ国・39組のアーティストの作品に出合える。 会場は東京の北東に位置する千代田区、中央区、文京区、台東区の6つのエリアと2つの拠点会場だ。普段人が働いたり住んでいる場にアートを展示する試みは、長い時間をかけて信頼関係を築きながら市民の手で作り上げてきた芸術祭ならではの深さがある。 3回目を迎える今回のテーマは「いっしょに散歩しませんか？」。誰もが都市を「歩きながら創造する」仕掛けがあり、まちと自分の関係、また自分自身の感覚を見つめ直す体験を誘う。 Photo: Kisa Toyoshima森惇一『星翳』「東叡山寛永寺」渋沢家霊堂前庭 時間軸を越えるアート体験 創建400年を迎える上野の「東叡山 寛永寺」では、普段は非公開の部屋や庭がアート作品とともに特別公開されている。徳川慶喜が大政奉還の際に2カ月過ごした「葵の間」の廊下には慶喜の描いた西洋画と、それに呼応する写真作品が展示されている。江戸から東京へ時代が転換していく瞬間を、当時の空間で追体験できる。 Photo: Kisa Toyoshima「東叡山寛永寺」葵の間 Photo: Kisa Toyoshima小瀬村真美『風景畫』「東叡山寛永寺」葵の間 日本経済を先導してきた大手町・丸の内・有楽町エリアにある「行幸地下ギャラリー」では330mを越えるアート作品が10年以上、今も制作中で、道行く人は毎日毎日、ただひたすら絵を描くアーティストの姿を目撃する。効率とスピードが要求される経済活動と真反対の時間と空間が生身の人間とともに立ち現れていることに驚きを隠せない。 Photo: Kisa Toyoshima佐藤直樹『そこで生えている』「行幸地下ギャラリー」 日本橋・本町エリアで展開される「スキマプロジェクト」では、路地裏の鉢植えの隙間を縫うようにアーティスト8組の彫刻作品が鉢植えに「擬態」しながらまちのスキマ空間をそっと豊かに彩る。「コレド室町」の大規模な商業施設が立ち並ぶ裏には静かに小さな路地が残っている。 大規模な再開発をする企業が視点を落とし、ともに小さなスキマを見つめることに意義を見いだしたからこそこの芸術祭は開催できた。見えないところでまちが育っているのだ。 Photo: Kisa Toyoshima寺内木香『もしかしての石』「日本橋室町」本町 「看板建築プロジェクト」でも、古い建物を守る地域住民と海外アーティストが協働し、新しいアートを生み出している。まちが呼吸しているのを感じる。 Photo: Kisa Toyoshima看板建築プロジェクト『海老原商店×テントハウス・アートコレクティブ』神田・秋葉原エリア 五感を研ぎ澄まされる仕掛け 「点音」（おとだて）というユニークな試みを展開している鈴木昭男は、茶道の野点を「音を聴く行為」として再解釈し、まちの隙間に潜む音を探る。ある時は大木の前で、ある時はビルの隙間に立って耳を澄ませるようプレートが準備されている。都市の音が宝探しのように感じられ、歩くほどに感覚が研ぎ澄まされていく。 Photo: Kisa Toyoshima都会で見つけたスキマではどんな音が聴こえる？ 秋葉原にあるエトワール海渡の旧ビルでは、写真プロジェクト「TOKYO PERSPECTIVE」の拠点展示が開催中。7組のアーティストが東京を歩き、撮影した「まちの今」を、ネット上の

Traditional Japanese erotic art – shunga – flourished during the Edo period (1603–1867), along with the rise of ukiyo-e woodblock printing. Some of the greatest artists of the time, including Kitagawa Utamaro and Katsushika Hokusai, employed ukiyo-e to depict Edo’s hedonistic ‘floating world’ of geisha, kabuki, sumo – and sex. Shunga was in great demand and widely available, despite an official ban, and developed into a highly sophisticated genre in which artists incorporated references to waka poetry and the Chinese classics while tiptoeing around taboos and government censorship. But once Japan opened itself up to the Western world after centuries of isolation, Shunga was deemed ‘obscene’ and purged from the culture – for nearly 150 years, it turned out. The first major contemporary display of Shunga wasn’t held in Tokyo until 2013, but that landmark show cleared the way for similar exhibitions. And now, perhaps the most rousing (sorry) Shunga show to date has opened right here in the capital. On display until October 5, the Kabukicho Shunga Exhibition features around 150 pieces by the likes of Hokusai, Utamaro and Hishikawa Moronobu. Curated from the collection of Mitsuru Uragami, one of Japan’s foremost Shunga connoisseurs, the exhibition takes place across two venues: the Shinjuku Kabukicho Noh Stage and a disused ‘host club’ nearby. Photo: Tsukio NakanishiShinjuku Kabukicho Noh Stage The hallowed atmosphere of the Noh stage makes a curious setting for the works, which

満員電車に揺られ、SNSで「いいね」を押し、コンビニエンスストアでいつもの商品を選ぶ――。私たちの行動は、実は社会・文化によって「振付」されているのかもしれない。「東京都現代美術館」で、2025年11月24日（月・振休）まで開催の「開館30周年記念展 日常のコレオ」は、そんな日常を新しい角度から見直す国際展だ。 アジアを中心に15以上の国と地域から約30人のアーティストが参加し、人々がどのように「踊らされ」、そして自分なりの「踊り」を生み出しているのかを探る。 Photo: Keisuke Tanigawa佐々木健《ゲバ棒、杖、もの派の現象学、または男性性のロールモデルについてのペインティング》（2024） 展覧会タイトルの「コレオ（＝コレオグラフィー、振付）」には2つの意味が込められている。一つは社会の規範や習慣による無意識の「振付」。もう一つは、それに抗い、自分なりの動きを見つける創造的な「振付」だ。展示を見終えた時、普段の自分の行動に潜む「型」を意識せずにはいられなくなるだろう。 　　　　　　　　　　　　　　　　 消えゆくものや抑圧されてきた声に耳を澄ませる 印象的なのは、韓国と日本の海女を切り口にした作品群。空気ボンベを付けずに素潜りで海藻や貝を採る海女たちの姿は、自然とともに生きる女性たちのたくましさそのものだ。今や消えゆく仕事を通じて、韓国と日本を結ぶ「海の記憶」を呼び覚ましてくれる。 Photo: Keisuke Tanigawa手前がライス・ブリューイング・シスターズ・クラブ《ウミ、手、海女たち》（2025）、奥がジュリア・サリセティアティ&アリ・ジムゲット・センディ《振り付けられた知識》（2025） 「ライス・ブリューイング・シスターズ・クラブ」は、その歴史と変化の過程を、「社会的発酵」という概念で捉え、異なる文化、存在が混ざり合いながら新しい共生を生み出していくプロセスとして提示している。 　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　 沖縄の辺野古で2014年から11年間も続く抗議行動に注目したのは、大和楓。大和は「座り込み」という身体の姿勢に着目し、記録写真のポーズを自らの体で再演した。抗議の形をなぞることで、個人と社会のつながりを身体的に浮かび上がらせる。 Photo: Keisuke Tanigawa大和楓《仰向けで背負う》（2025） 故郷を離れ、沖縄に移住し、非日常のような日常を観察する。壁一面に続くドローイングは、まだ続く抗議の長さを表現しているかのようだ。若い世代ならではの応答の仕方に、心を動かされる。 Photo: Keisuke Tanigawa大和楓《仰向けで背負う》（2025） 展示の中には、ほとんど明かりのない暗闇の中で体験するインスタレーションがある。24時間眠らない東京では、闇そのものがすでに失われている。視覚を遮断され、耳だけに頼ることで、自分がいかに視覚優位の生活に縛られてきたかに気づかされるだろう。 Photo: Keisuke Tanigawaシルパ・グプタ 《リスニング・エア》（2019〜2025） 同時に、普段はかき消され、歴史の中で抑圧されてきた声にも耳を澄ませることになる。闇の中で聴覚が解放される体験は、失われた語りに再び光を当てる行為でもある。 　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　 東京を舞台にした新作群も 会場では、美術館のある深川・木場を取り上げたパフォーマンスや、移民コミュニティーに焦点を当てた参加型作品など、東京を題材にした新作も多数発表。国内初公

新宿・歌舞伎町の「新宿歌舞伎町能舞台」をメイン会場に、江戸時代の春画約150点を集めた展覧会「新宿歌舞伎町春画展ー文化でつむぐ『わ』のひととき」が始まった。2025年9月30日（火）まで開催される。 展示を監修するのは、春画コレクターとして国内外で高く評価される浦上満。葛飾北斎・歌川国芳・喜多川歌麿・菱川師宣など、そうそうたる浮世絵師たちによる春画の名作が一堂に会する。 Photo: Tsukio Nakanishi新宿歌舞伎町能舞台 会場は、メイン会場の新宿歌舞伎町能舞台から徒歩3分程度に位置する、現在は営業していないホストクラブも第2会場として活用。みやびと俗が絶妙なバランスで溶け合う、不思議で心地よい空間に仕上がっている。 Photo: Tsukio Nakanishi展示風景 能舞台が持つ神聖さと静けさの中に展示された春画は、構図の大胆さ、陰毛の一本一本まで描かれた緻密さ、ポップな色使い、そして知的な「笑い」を併せ持つ。さらに、本物ならではの迫力は、言葉では言い表せないほどだ。 Photo: Tsukio Nakanishi葛飾北斎『万福和合神』（1821）浦上蒼穹堂蔵 Photo: Tsukio Nakanishi浦上蒼穹堂蔵 春画には、現代のポルノのような一方向的な視点ではなく「見る」「のぞく」「笑う」といった多層的な視点があり、それを精緻な画技で成立させていることに驚かされる。 Photo: Tsukio Nakanishi絵師不詳『長煙管を持つ遊女と客』（江戸時代後期から末期）浦上蒼穹堂蔵 かつてホストクラブとして使われていた第2会場では、足元で輝くネオンの光が包み込む独特の雰囲気を味わいながら作品が鑑賞できる。江戸時代には「性」が今よりも身近で自然なものであったという感覚が、会場の雰囲気を通じてよみがえるだろう。 Photo: Tsukio Nakanishi第2会場のホストクラブ Photo: Tsukio Nakanishi第2会場展示風景 同会場ではグッズの販売も行われており、100枚の春画カードから自分だけの春画帳が作れる。そのほか、絵柄をあしらったクッキーやオリジナルキーホルダー、クッションなども手頃な価格で販売される。 Photo: Tsukio Nakanishiグッズ売り場 歌舞伎町と春画、誤解されがちな魅力が2つをつなぐ 同展の企画を手がけたのは、歌舞伎町を拠点にホストクラブ、飲食店、介護事業など多彩な事業を展開するSmappa!Group。代表の手塚マキは、元ナンバーワンホストであり、現在は歌舞伎町で伝統的な日本文化の発信者としても活動する人物だ。 Photo: Tsukio NakanishiSmappa!Group代表の手塚マキ 手塚は同展開催に際し、「歌舞伎町は危ない街、春画はエロい。そんな先入観のせいで、多くの人の思考が止まってしまっています。でも、よく知れば、どちらも人間味あふれる深い世界なんです。駅から会場までの街の様子も楽しみつつ、ぜひ本物の春画に触れて、新しいイメージを持ってもらいたいですね」と語った。 Photo: Tsukio Nakanishi展示風景 日本でまとまった春画が展示されるのは10年ぶり。貴重な春画を提供した浦上も、新たな視点で展示される春画に期待を寄せる。 Photo: Tsukio Nakanishi左から、林靖高、